Реферат: Япония 6

--PAGE_BREAK--
Маски театра Но

В своём большинстве, маски Но не привязаны к какой-то определённой роли, а широко используются в разных пьесах на разные роли. Маски Но, о которых часто говорят, что им не хватает индивидуальности в выражении, в сочетании с глубоко символичными движениями актёра и монотонной музыкой создают уникальную артистическую атмосферу.
   Маски являются неотъемлемым атрибутом драмы. Отличительной чертой масок Но является то, что они ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ПЕРЕДАЮТ эмоции. Чувства радости и злобы, юмора и пафоса, выражаются едва заметным изменением наклона при приложении маски к лицу, игрой света на сцене, драматическим речитативом хора — Утаи и аккомпанементом барабанов и флейт — Хаяси. На первый взгляд маски Но не передают никаких эмоций, однако, на самом деле в них заложен огромный потенциал, раскрываемый актёром на сцене.
   На сегодняшний день существует около 200 масок, большинство из которых сделаны из японского кипариса. Некоторые отдельные маски (например Окина) используются только на определённые роли и появляются на свет раз или два в год. Интересно заметить, что различные школы (направления) Но используют разные маски и кимоно на одни и те же роли.
   Привлекательность театра Но состоит в том, что маски выражают «чистые» эмоции героев, без примесей и влияний собственных лиц актёров. Так что если вы ищите «чистых» эмоций, то вы рано или поздно найдёте себя на представлении НО.

Театр Кёгэн


Театр Кёгэн возник примерно в одно и то же время с театром Но и до сих пор эти два вида японского традиционного театрального искусства мирно соседствуют в рамках одного десятилетия, однако по стилистике и содержанию два эти жанра разительно непохожи. Театр Но — это драма возвышенных переживаний и титанических страстей, по духу это высокая трагедия, хотя содержание пьес далеко не всегда трагично. Кёгэн же — незатейливая комедия, грубоватый фарс, построенный на незатейливой шутке, шумной возне, даже скабрезности. Но элегантен, поэтичен, Кёгэн прозаичен и простонароден.
   При этом пьески Кёгэна традиционно исполняются в качестве интермедий в классическом спектакле театра Но. Как известно, эта особенность композиции театрального представления свойственна и западной культуре. В Древней Греции классическая трагедийная трилогия перемежалась грубыми драмами Сатира, в средневековом европейском театре в религиозную мистерию вставлялись фарсы (само слово farce на старофранцузском означает «вставка», «начинка»). Впоследствии Шекспир и Мольер сделали фарсовые сцены атрибутом большой комедии, в Японии же Кёгэн благополучно выдержал испытание временем и сегодня исполняется почти так же, как в 15 веке. В зрителе прежних веков любовь к возвышенному и низменному отлично уживались.
   Непосредственными предшественниками Ногаку (таково общее название Но и Кёгэна) были народные театральные жанры Саругаку и Дэнгаку. Саругаку (букв. «обезьянье искусство») сформировался примерно в XI веке и поначалу был зрелищем по преимуществу плебейским. Это были представления, соединявшие текстовую импровизацию, танцы и песни — в основном комического содержания. Бродячие актеры совершенствовали мастерство, и их стали приглашать сначала на храмовые праздники для привлечения паствы, а затем и выступать перед изысканной публикой. Богатые храмы даже обзавелись собственными труппами. Репертуар Саругаку делался все более утонченным, возникла традиция, школа. В XIV веке Саругаку сомкнулся с другим народным жанром — Дэнгаку (букв. «полевое искусство» ), зародившимся из магических обрядов, а также танцев и песен японской деревни. Из этого слияния и возник театр Ногаку, разделивший единое представление на две части — высокого и низкого стиля.

Театр Кабуки


Простому народу не были известны ни сакральные танцы Кагура, ни драма Но, и в течении долгого времени у него даже не было театральных подмостков для выступлений. Однако в начале эпохи Токугава, наконец, родился, расцвел и принёс плоды демократический театр Японии. Это была драма Кабуки.
   Ритуальные танцы часто исполнялись для развлечения прихожан при синтоиском храме в Идзумо. Они и по сей день исполняются при синтоиских храмах в Нара и других местах. Юные девушки в тонких накидках поверх белых кимоно и алых хакама, с распущенными волосами и красиво загримированными лицами танцуют в зале храма. Из числа таких храмовых танцовщиц была и девушка по имени Идзумо-но Окуни, дочь кузнеца. В старинных хрониках говорится, что она была красавицей с волосами мягкими и длинными, как ветки ивы и обликом походила на цветок персика. “Её танцевальная манера была величественной, — отмечали хроники, — а звонкий голос поражал всех, приходивших её посмотреть”. Она была известна также своим нежным сердцем и ей в равной степени восторгались и мужчины и женщины.
   Примерно на рубеже XVII века Окуни прибыла в Киото и начала исполнять некоторые из ритуальных танцев в высохшем русле реки или на шумных улицах древней столицы. Первым она исполнила “Буддийский танец возглашения”, сопровождаемый буддийскими молитвами (танец изобрёл буддийский священник Куя, отвечая вкусам народа, танец стал очень популярным). Её красота и прекрасные танцы принесли ей симпатии множества поклонников и покровительство феодальных князей. Юки Хидэясу, сын Токугава Иэясу и приёмный сын Тоётоми Хидэёси, был покорён её красотой и исполнительским мастерством. Рассказывают, что однажды он подарил ей свои драгоценные коралловые бусы, сказав, что стеклянное ожерелье, которое она носила “слишком холодно и не вызывает радости”.
  Начав с раскованного неофициального развлечения киотской толпы, Окуни постепенно добавляла в репертуар романтические и светские танцы, исполнявшиеся вначале под аккомпанемент флейты, старомодных барабанов, в которые надо было ударять пальцами, и других инструментов театра Но. Со временем она приобрела популярность во всей столице и её появление на маленькой открытой сцене привлекало многочисленных зрителей, жаждущих после долгой эпохи войн эстетических развлечений. Она умело совместила различные традиционные танцы, народные баллады, стихотворные импровизации и другие элементы в одно гармоничное целое и таким образом создала театр Кабуки (слово “Кабуки” состоит из трёх китайских иероглифов, буквально означающих “искусство пения и танца”), в котором выступали молодые танцовщицы. Принятие сямисэна также способствовало дальнейшему развитию театра Окуни. Этот инструмент своей популярностью многим обязан Рютацу, композитору, известному также своим прекрасным голосом. Пантомима возникла благодаря усилиям Нагоя Сандзабуро, который стал мужем Окуни. К новому театрализованному танцу были добавлены комические диалоги, а сама Окуни вскоре стала исполнять мужские роли. Этот новый вид представления распространился по разным провинциям и вызвал множество подражаний.
   В 1603 году Кабуки Окуни окончательно оформился и принял форму театра. В начале Окуни выступала со своей группой в Киото, в кварталах Сидзёгавара и Кодзёгавара, а в 1604 году она построила собственную стационарную сцену на территории синтоиского храма Китано. Однако, несмотря на славу нового театра, к участвовавшим в нём актёрам и актрисам сохранялось значительное социальное предубеждение. Но, несмотря на падение репутации Кабуки Окуни, причиной чему была растущая безнравственность и распутство некоторых актёров и актрис, которые всё ещё занимали наиболее презренное место в феодальной иерархии, саму Окуни в своё время с необычайной теплотой встречали в высших сферах, примером чего является покровительство Хидэясу и одной знатной придворной дамы из Киото.
   В 1607году труппа Окуни отправилась в Эдо, где точно также, как в Киото и Осака, её представления вошли в моду. Во время представлений помещения всегда были переполнены, и популярность Кабуки была столь головокружительной, что самураи Эдо до безумия влюблялись в танцовщиц и устраивали поединки, дабы завоевать их симпатии. Властям это показалось уже излишним, и они решили запретить выступления труппы, хотя запрет был скорее вызван поведение эдоских кавалеров, чем деятельностью самого Кабуки.
   В трёх крупнейших городах: Киото, Осака и Эдо, быстро росло число актрис, воодушевлённых примером Окуни, и исполняемые ими представления Кабуки стали излюбленным развлечением широкой публики. Но развитие театра сопровождалось пагубным влиянием актрис на общественную нравственность, и токугавское правительство издало ряд декретов, запрещающих появление актрис на сцене. В 1608 году был издан указ, разрешающий выступление Кабуки только на городских окраинах, где его тлетворное влияние менее пагубно сказывалось бы на обществе. Несколько придворных дам, которые завели романы с красивыми актёрами Кабуки были отправлены в изгнание. Правительство часто вмешивалось в дела Кабуки. В 1626 году, когда группа актрис выступала в пригороде Эдо, театр был настолько переполнен, что возникли крупные беспорядки, и было приказано прекратить представление. И наконец, правительство третьего сёгуна Иэмицу издало в 1629 году строгий указ, запрещающий любые представления с участием женщин. Театр Онна Кабуки (женский театр Кабуки) был уничтожен. Его место занял возникший ещё в начале XVII века Вакасю Кабуки (мужской театр), в котором играли только юноши. Однако, так как театр, в котором выступали только мальчики и молодые люди, также начал считаться подрывающим моральные устои, в 1644 году правительство его запретило. После этого был издан указ, предписывавший закрыть четыре ведущих театр Эдо, равно как и кукольные театры и другие центры развлечений, поводом для которого послужил скандальный роман актёра Кабуки и жены крупного аристократа. Под давлением владельцев театров в следующем году они были открыты снова, но 1648 указ запрещал аристократам посещать театры, в 1656 — актёрам давать представления в усадьбах самураев, даже если их специально приглашают.
   Существование оннагата, мужчин, исполняющих женские роли, после запрета выступления актрис, стало совершенно необходимым и сохранилось до настоящего времени. Даже в середине XIX века, когда были отменены многие запреты, женщины долго не могли достичь такого же совершенства в исполнении женских ролей, как мужчины — оннагата, тратившие долгие годы на накопление опыта.

Японская живопись— один из старейших и наиболее изысканных видов изобразительного искусства Японии, охватывающий широкий спектр жанров и стилей. Как и история японского изобразительного искусства в целом, история японской живописи представляет собой долгий путь соперничества и переплетения исконных японских принципов и адаптации иностранных идей.

Древняя Япония

Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны. Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г. до н.э. — 300г. н.э.). Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг. н.э.).
С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле.

Можно выделить следующие исторические периоды японской живописи:

Период Нара (Nara)

С распространением в Японии буддизма в VI-VII вв. начало процветать изображение религиозных образов на стенах храмов, возведенных представителями правящих классов. Однако период Нара гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.
Самые ранние дошедшие до наших дней произведения живописи этого периода включают в себя картины на стенах храма Хоруи-Жи (Horyu-ji) в городе Икаруга (Ikaruga) префектуры Нара, изображающие эпизоды из жизни Будды, Бодхисаттв и некоторых других божеств. По стилю они напоминают китайские картины времен династии Су (Sui) или позднего периода Шестнадцати королевств. Однако к середине периода Нара стали популярны изображения в стиле династии Танг (Tang). Они включают в себя настенные рисунки в гробнице Такамацузука, относящиеся к 700г. нашей эры. Этот стиль стал основой жанра Кара-и, который оставался популярным в начале периода Хэян.
Так как большинство картин периода Нара религиозны, художники были в основном анонимны. Большая коллекция произведений искусства периода Нара находится в хранилище Шосойн (Shosoin), которым раньше владел Тодай-жи (Todai-ji), теперь же оно контролируется Агентством императорского двора (Imperial Household Agency).


Периоды Хэйан (Heian) и Камакура (Kamakura)

С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto).
С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.

С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto).С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.
К середине периода Хэйан, китайский стиль живописи кара-и потерял связь с ямато-и, который изначально использовался для росписи скользящих дверей и складных ширм. Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari)), исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba)) и религиозные записи. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Произведение Генджи Моногатари разделено на небольшие эпизоды, тогда как более яркое Бан Дайногон Экотоба использует продолжительную и обширную иллюстрацию, изображающую персонажей в движении, нарисованную быстрыми штрихами кисти, неяркими, ноконтрастными цветами. «Осада дворца Санджо» (Siege of the Sanjō Palace) — еще один знаменитый пример этого стиля.
И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины). Между этими стилями существует множество значительных отличий, вызванных разницей эстетических предпочтений полов. Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Стиль онна-и, представленный в свитке «Сказание о Генджи», обычно изображает жизнь при дворе, чаще всего жизнь придворных дам, и романтические сюжеты. Стиль отоко-и, наоборот, обычно использовался для изображения исторических событий, чаще всего битв.
Эти стили продолжали существовать и в период Камакура (Kamakura, 1180-1333). И-маки различных видов продолжали создавать; однако, период Камакура гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.
Так как большинство произведений живописи периодов Хэйан и Камакура религиозны, художники чаще всего были анонимны.
Период Муромачи (Muromachi)                                                                                                                             Развитие монастырей дзен в Камакуре и Киото в XIV веке оказало основное влияние на изобразительное искусство. Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи, использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин «чинзо» (chinso) монахов Дзен. Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит. — Хсен-цу (Hsien-tzu)) в момент, когда он достиг просветления. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы.

(Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи. На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий маленькую тыквенную семечку и смотрящий на большого скользкого сома. Средняя часть пейзажа окутана туманом, а на заднем плане нарисованы горы, находящиеся в отдалении. Считается, что «новый стиль» живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода.

К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga), и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности.

Наиболее известные живописцы периода Муромачи — священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu). Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще» (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, имел возможность побывать в Китае и изучить китайскую живопись на ее родине. Одна из лучших его картин — «Длинный свиток» (The Long Handscroll), изображающая четыре времени года на одном большом пейзаже.

В конце периода Муромачи чернильная живопись выбралась за пределы монастырей Дзен в художественный мир: живописцы школ Кано (Kano) и Ами (Ami) переняли стиль и тематики, но внесли больше пластики декоративных эффектов; в таком виде стиль существует в наше время.

Период Азучи-Момояма (Azuchi-Momoyama)

В отличие от предыдущего периода Муромачи, период Азучи-Момояма характеризуется появлением великолепного многоцветного стиля, широко использовавшего золотую и серебряную фольгу, и очень масштабными работами. Школа Кано (Kano) получила покровительство Оды Нобунаги (Oda Nobunaga), Тойотоми Хидеёши (Toyotomi Hideyoshi), Токугавы Иеясу (Tokugawa Ieyasu) и их последователей, её размер и престиж сильно выросли. Кано Эйтоку (Kano Eitoku) разработал способ изображения грандиозных пейзажей на скользящих дверях, огораживающих комнаты. Эти огромные ширмы и настенные рисунки должны были украшать дома и дворцы военной знати. То же назначение сохранялось у них и в последующем периоде Эдо (Edo), когда сёгунат Токугава (Tokugawa) продолжил продвигать работы школы Кано как официально санкционированный вид изобразительного искусства для сёгуна, феодалов (daimyo) и императорского двора.

Однако, в период Азучи-Момояма существовали и развивались художники и течения в живописи, не относящиеся к школе Кано; они перенимали китайские тематики и применяли их с использованием японских традиций. Одной из важных групп художников была школа Тоса (Tosa), которая использовала традиции ямато-и и была известна, в основном, благодаря работам небольших масштабов и иллюстрациям к литературной классике в книгах или эмаки (emaki).

Период Эдо (Edo)

Многие ученые, изучающие историю изобразительного искусства, считают период Эдо продолжением периода Азучи-Момояма. Конечно же, в начале периода Эдо многие из предыдущих тенденций живописи оставались популярными; однако, появились и новые тенденции.Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо — кола Римпа (Rimpa), которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате. Художник Сотатсу (Sōtatsu) развивал декоративный стиль живописи, воссоздавая сюжеты классической литературы, используя блестяще раскрашенных персонажей и картины природы, противопоставленные фону из позолоты. Спустя век, художник Корин (Korin) переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле.
Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма, но достигший пика своего развития в начале периода Эдо — Намбан (Namban), который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства. Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки (Nagasaki), который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами; Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию. Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо (Maruyama-Shijo), объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами.

Третья важная тенденция периода Эдо — подъем жанра Бунджинга (Bunjinga, иллюстрации к литературным произведениям), также известного как школа Нанга (Nanga, Южная школа живописи). Сначала этот жанр был имитацией работ китайских художников-любителей времен династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине XVIII века. Позднее, художники, работающие в стиле бунджинга, видоизменили как техники, так и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей. В этом стиле работали такие художники, как Ике но Таига (Ike no Taiga), Урагами Гиокудо (Uragami Gyokudo), Йоса Бусон (Yosa Buson), Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden), Тани Бунчо (Tani Buncho) и Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu).

Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов. Простолюдины разработали альтернативный вид живописи — фузокуга (fuzokuga), в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей. Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи. В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска, или укиёи (ukiyoe), которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации.
Период Мейджи (Meiji)

В период Мейджи, в Японии произошли огромные политические и социальные изменения в рамках кампании по вестернизации и модернизации, начатой новым правительством. Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусства Японии на конкурирующие западные и традиционные стили.

Западный стиль живописи (Йога, Yōga) официально поддерживался правительством: подающих надежды молодых художников посылали учиться за границу, иностранные художники нанимались, чтобы проводить занятия в японских школах.

Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону, и, ведомое критиком Окурой Какузо (Okakura Kakuzo) и преподавателем Эрнестом Феноллоса (Ernest Fenollosa), возродилось признание традиционных японских стилей. В 1880 году западный стиль был запрещен к показу на официальных выставках, его сильно критиковали. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга (Nihonga) развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма.

Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи (Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи), чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи.В 1907 году, с созданием под эгидой министерства образования выставки Бантен (Bunten), обе конкурирующие группы нашли молчаливое признание и начали сосуществовать и даже объединяться.
Период Тайшо (Taisho)

В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma)), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара(Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.

На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизми поздний постимпрессионизм.

Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен, и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и, использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой.
Период Шоуа (Showa)

Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai).

Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников, и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось.

После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге. Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею заведовала отдельная частная корпорация. Участие в Ниттен фактически стало предпосылкой к принятию в Японскую Академию искусств, что, в свою очередь, являлось предпосылкой к получению Ордена Культуры.

Современный период
После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравировщики процветали в больших городах, особенно в Токио, их мысли занимало устройство современной городской жизни, отраженное в мерцающем свете, неоновых цветах и буйных скоростях их произведений. Все «учения» живописи Нью-Йорка и Парижа были приняты с широко раскрытыми объятиями. После абстракционизма 1960-х, 1970-е застали возвращение к реализму под влиянием таких течений, как «оп» и «поп», которые воплотились в 1980-х в великолепных работах Шиохары Ушио (Shinohara Ushio). Множество достойных художников-авангардистов работали в Японии и за границей, выигрывали международные награды. Эти художники считали, что в их работах не было «ничего японского», и причисляли себя к интернациональной школе. В конце 1970-х, поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников пересмотреть свою идеологию и отказаться от того, что многие считали пустыми формулами Запада. Живопись в современном стиле начала искать выгоду в использовании традиционных японских жанров, механизмов и сюжетов. Некоторые художники, работавшие в стиле моно-ха, перешли к живописи, чтобы вернуть обратно традиционные японские особенности в расположении пространства, гармонии цвета и лиризме.Живописьвтрадиционном стиле (нихонга) продолжала оставаться модной, обновляя техники изображения, при этом сохраняя свойственные им особенности. Некоторые художники, работающие в этом стиле, все еще рисовали на шелке или бумаге, используя традиционные цвета и чернила, другие использовали новые материалы, например, акрил. Практиковались и многие старые школы, особенно периода Токугава. Например, декоративный натурализм школы римпа (rimpa), для которого характерны великолепные чистые цвета и подтеки краски, был отражен в работах многих художников после войны и в картинах Хикосаки Наоёши (Hikosaka Naoyoshi) в 1980-х. Реализм школы Маруямы Окио (Maruyama Ōkyo) и каллиграфический и спонтанный Японский стиль также практиковались в восьмидесятых. Иногда все эти школы, как и более древние, такие как чернильная живопись школы Кано, использовались современными художниками в традиционном стиле и в современной манере. В 1970-х многие художники, работавшие в традиционном стиле, получали награды и призы в результате роста популярности японских стилей. Кроме того, в 1980-х современные художники других национальностей также переходили к японскому стилю, отворачиваясь от европейских школ. Все шло к объединению Востока и Запада. Некотопые художники уже преодолели это расстояние, подобно знаменитому живописцу Шиноде Токо (Shinoda Toko). Ее оригинальные картини в абстрактном стиле, выполненные чернилами суми, были навеяны традиционной каллиграфией, но реализованы как современные выражения абстракционизма.
В настоящее время в Японии существует множество художников, которых вдохновляет субкультура аниме и другие аспекты молодежной культуры. Один из самых известных и популярных — Такаши Муроками (Takashi Murakami), вместе со своими коллегами по студии Каикаи Кики (Kaikai Kiki). Его картины изображают послевоенное общество Японии и выражают его отношение к нему и на вид кажутся безобидными. Он рисует аниме и картины в похожих стилях, но также делает скульптуры и картины в более традиционных стилях, намеренно стирая грани между коммерческой и эстетической живописью.

Японская архитектура

Характерная для японцев зрительная легкость конструкций, ассиметричность, незамкнутость пространства и связь интерьера с внешней средой берет свое начало из эстетических представлений японцев. Почитая все естественное и обожествляя природу, они даже не окрашивают деревянные части своих построек, потому что такой древесину создали боги и не стоит менять ее цвет, если это не предусмотрено самой природой.

Древнему зодчеству Японии не свойственна грандиозность в виде импозантных сооружений. Принцип, который движет японскими зодчими древности, диаметрально противоположен архитекторам Старого Света — человек не должен замечать архитектурных сооружений, выделяя их из природного ландшафта.

Но эти принципы несколько стираются при строительстве культовых сооружений, которые вскоре после распространения основных доктрин буддизма находят воплощение в пагодах, ставших основным элементом буддийской религиозной архитектуры и сохранившихся в ней и до наших дней как реальное соответствие деяний человека с идеями веры.

Уже в четвертом — шестом веках нашей эры в Японии начинается возведение грандиозных усыпальниц для местных правителей, которые получили название «кофун». Так, громадная усыпальница императора Нинтоку больше любой из египетских пирамид, а ее площадь составляет 486 метров.

Другими древнейшими архитектурными памятникамиЯпонии являются синтоистские и буддийские святилища, храмы и монастыри. Ранние культовые постройки почти лишены окраски и украшений, а вся красота этих аскетичных построек создается за счет цельного неокрашенного дерева.

С дальнейшим развитием в Японии буддизма изменилась и архитектура храмов. Сооружения стали окрашивать в голубой, красный и другие яркиецвета, декорировать храмы металлическими и деревянными ажурными украшениями, а к головным зданиям святилища стали пристраивать крытые помещения для молящихся.

Интересным памятником архитектуры является Храм Ицукусима, построенный на острове Внутреннего Японского моря около города. Хиросимы. Храм построен таким образом, что он настолько органично сливается с ландшафтом, что во время прилива создается впечатление, что он как бы плывет по поверхности воды.

Вообще, основной идеей японских зодчих было и остается гармоничное слияние архитектурных сооружений с природой, окружающим пейзажем, где они могут взаимно дополнять друг друга, а излюбленным материалом японских строителей была древесина. Использование этого натурального материала объяснялось рядом причин, одной из которых был жаркий и влажный климат. Дома строились легкими и открытыми для воздуха, с приподнятыми над землей полом и крышей. Такой дом было легко собрать и разобрать, а также такой дом не разрушался от подземных толчков, которые очень часто происходят в Стране Восходящего Солнца.

А по конструкции почти все старые японские постройки представляют собой комбинации прямоугольных элементов, где окружности появляются только в верхней части конструкций двухъярусных пагод.

Современные же японские постройки отличаются от предыдущих в большей степени изменением геометрических форм и современными высокотехнологичными материалами, предусмотренными для их воплощения. Прямоугольные формы сохраняются, но при этом обогащаются окружностями, полукругами и конусами.

Японские архитекторы создают необычные по форме оригинальные небоскребы, которые должны решить вопросы перенаселения в мегаполисах Японии, а также служить для своих жителей и тем местом, где они могут отдыхать и как — бы это странно не звучало, ощущать свое слияние с природой. Ведь во многих подобных сооружениях создаются зимние парки, учитывающие все традиции японских садов.

Таков и современный комплекс небоскребов на западе Центрального Токио, который стал символом экономической мощи Японии, а в 1991 году в районе Синдзюку по проекту знаменитого архитектора Тангэ было построено самое высокое в Токио здание — Токийский муниципалитет. Высота небоскреба составляет 243 метра. Это грандиозное сооружение с двумя 48-этажными башнями напоминает по внешнему виду европейский готический собор. Уникальность всех этих проектов заключается еще и в том, что все эти высотные здания построены с учетом особенностей высоко сейсмичной зоны, где постоянно происходят землетрясения, однако не отражающиеся на состоянии этих прочных построек. Зодчие Японии не устают поражать весь мир своими удивительными зданиями, вот и сейчас они планируют создание 800-этажного небоскреба в форме горы высотой 4000 метров, которое будет стоять на морской платформе шириной в шесть километров. Этот небоскреб будет в семь раз выше самого высокого здания на сегодняшний день на Земле и на 200 метров выше знаменитой горы Фудзиямы, форму которой и повторяет проектируемое здание. человек. Компания, которая строит это здание Taisei Corporation, планирует на сооружение небоскреба, которому дано название X-Seed 4000 потратить около 900 миллиардов долларов.

В отличие от других небоскребов, X-Seed 4000 будет защищать своих обитателей от перепадов давления и смены погодных условий по всей высоте здания. Его конструкция предусматривает использование солнечной энергии для энергообеспечения всей системы поддержания микроклимата в здании. X-Seed 4000 будет своеобразным маленьким миром, где его жители смогут жить, работать, развлекаться, учиться и гулять, не выходя из здания.

Япония привлекала и привлекает к себе внимание всего мира, как удивительная и загадочная страна, которая и в наше время не устает поражать весь мир своими научно-технологическими достижениями, где при их воплощении в жизнь находится место и национальным традициям.
    продолжение
--PAGE_BREAK--
еще рефераты
Еще работы по культуре