Реферат: Мосты между культурами не всегда простираются на большие расстояния. Можно проложить путь к другим культурам, взяв за образец музыку коренных американцев

Мосты между культурами не всегда простираются на большие расстояния. Можно проложить путь к другим культурам, взяв за образец музыку коренных американцев. Вызывает иронию тот факт, что коренную американскую музыку чаще относят к музыке мировой культуры, чем к одному из видов американской музыки. Конечно, важным оправданием этого является то, что ее традиции, ее роль в обществе, звуки и структуры этой музыки абсолютно разные по сравнению с другой ”американской” музыкой. Можно проложить путь к другим культурам в пределах наших национальных границ, если рассматривать музыку иммигрантов в США, которые привезли с собой и сохранили песни и танцы своих родных земель.

^ Музыка в культуре.

Для того чтобы изучить музыку как нашей, так и других культур можно просто проанализировать музыку или описать ее с точки зрения музыкальных терминов. При таком подходе вызывает затруднение тот факт, что наш язык не универсален. Он подчиняется западноевропейским понятиям и не может в равной степени описать всю мировую музыку. Исследование музыки в культуре предполагает нечто более чем описание музыки. Исследование музыки как нашей, так и других культур может затронуть изучение контекста музыки в обществе, связи музыки с поведением людей, и общее отношение людей к своей музыке.

Ученых, которые занимаются изучением музыки в культуре, называют этномузыковеды. Они проводят исследования, пишут о музыке культуры и учат музыке этой культуры других. Они живут какое-то время в странах или регионах, где эти виды мировой музыки появляются. Они записывают музыку, общаются с людьми, которые создают эту музыку, и выясняют, почему и каким образом она создается, исполняется, и как ее слушают. Они пытаются понять эту музыку так, как понимают ее люди, культуре которых она принадлежит. Изучение музыки в культуре касается не только изучения музыки отдаленных мест, но также музыки культур западного полушария и нашей страны.

^ Социальные аспекты.

В своем исследовании, этномузыковеды стремятся узнать о музыкантах-любителях, интересуются, кто создает музыку? Кто исполняет? Кто слушает? Ученые пытаются определить, что представляет собой жизнь музыканта, какое место он занимает в обществе: глубокоуважаемый это человек или скорее служащий, профессионал или любитель, получал ли он официальное образование или нет. Они также изучают способы, с помощью которых музыкант приобретает и развивает свои навыки.

Это исследование дает информацию об общественном мнении по поводу музыки, как сочетается музыка с системой вероисповедания и со структурой общества, которому она служит. Исследователи учитывают, направлена ли музыка на непосредственное восприятие или ее каким-то образом сохраняют для будущих поколений. Они выясняют, как группа людей воспринимает музыку по отношению к природе и к обществу.

Этномузыковеды отмечают музыкальные предпочтения общности. Считают ли люди музыку красивой, и имеет ли это значение? Какие звуки им нравятся? Существует ли “плохая” и ‘хорошая” музыка в обществе? Есть ли популярная и классическая музыка? В дополнение, этномузыковеды узнают, где исполняется музыка, как одеваются музыканты во время исполнения, по каким случаям исполняют музыку: для ритуалов, развлечений, концертов, церемоний, спортивных состязаний, танцев, трагедий или религиозных обрядов. Они исследуют взаимосвязь между исполнителем и публикой - чем занимается публика во время презентации, и как зрители ведут себя активно или пассивно, спокойно или шумно, внимательно или невнимательно.

^ Музыкальные аспекты.

Этномузыковеды изучают общество и его музыку для того, чтобы определить характерные для него музыкальные стили, жанры, формы, а также исторические записи и теории музыки. Также они пытаются выяснить, что можно узнать о культуре, исходя из текстов песен, как звучит музыка, и какие языковые проблемы возникают при описании музыки. Они ищут способы описания творческого процесса и использования мелодий, звуковых конструкций, ритмического построения, предпочтения в выборе тембра. Эти ученые определяют, как учатся музыке, как ей учат, как она передается из поколения в поколение, передается ли она в письменном виде или преимущественно в устной форме (например, имитацией и воспроизведением памяти). Этномузыковеды будут изучать предметы, которые используются в обществе для создания музыки: инструменты, оборудование, нотные записи или звукозаписи. Также они изучают степень технического и городского, возможно западного, влияния: СМИ, звукового усиления, концертов и музыкальных представлений, функциональной гармоничности, профессиональных музыкантов и музыкальной индустрии.

Аккультурация.

Этномузыковеды будут наблюдать за степенью влияния на общество внешних политических, экономических и культурных факторов. Они изучают, в какой степени люди принимают и приспосабливаются к внешним влияниям и делают их частью своей культуры, и в какой степени они отвергают или подчиняют их и сохраняют чистоту своей культуры. Процесс, в результате которого культура приравнивается или приспосабливается к особенностям и порядкам других культур называется аккультурацией или смешением культур.

Культуры изменяются, иногда быстро, иногда незаметно. Тем не менее, в современную эпоху технологий маловероятно существование культур, которые не попали под внешние воздействия, не приняли хотя бы некоторые из них и не поменяли присущие своей культуре манеры поведения и порядки.

Этномузыковеды очень много рассказали нам о музыке не-западных культур, субкультур американского общества, а также прозападных культур, обнаруженных в других частях мира. Они научили нас думать глобально в ближайшем будущем, не быть этноцентричными, т.е. заботиться не только о нашей собственной культуре и музыке. В конце концов, музыка это часть культуры, но она также существует и вне культуры, отражая и дополняя ее. Мы узнаем многое о культуре или субкультуре на примере ее искусства: ее, песен, танцев и других способов выражения чувств, отношений и событий, важных для общества.

^ Музыка Америки.

Здесь представлен устный отчет о музыке культур, охватывающих небольшое число народов и регионов. Смысл этой работы не в том, чтобы просто рассказать об особенностях отдельной культуры, а для того, чтобы вместе получить представление и проникнуть в суть природы музыки других культур.

Когда мы говорим об американской музыке, мы подразумеваем музыку континентальной части США, но не музыку других стран Северной Америки, Центральной или Южной Америки, стран Карибского региона, которые географически тоже являются частью Америки. Мы обычно не включаем сюда музыку коренных американцев, по причинам, описанным в следующем разделе. Перед тем, как мы обратимся к музыке более отдаленных стран, мы надеемся получить представление о музыке, музыкальных традициях и влияниях в пределах Америки. Мы сперва обратимся к музыке коренных американцев, а также к традициям и характерным чертам музыки американских стран и регионов за пределами США.

^ Коренная американская музыка.

Коренная музыка Америки это музыка индейцев, коренных американцев, коренных канадцев, коренных мексиканцев. Причины, по которым мы обычно не рассматриваем их музыку, как жанр американской музыки, включают следующие. Коренная американская музыка:

Происходит из культуры, существенно отличающейся от культур европейского типа, возможно, имея большее сходство с азиатской музыкой.

Существенно отличается от музыки европейского типа, как с точки зрения вокального исполнения, так и инструментального сопровождения.

Существенно отличается по предназначению и эстетическим качествам.

Европейцы и американцы в большой степени не придают ей значения, в то время как коренные американцы игнорируют музыку европейского типа.

Не играет важной роли в развитии музыки американского общества, особенно по сравнению с европейской или африканской музыкой.

Индейские культуры были неграмотные, и у них не было письменной истории. Изучение их музыки проводилось с помощью антропологических и археологических исследований, по рассказам “стариков” и по сведениям этнологов, которые начали изучать культуру индейцев в середине 19 века. Из-за уничтожения и аккультурации большинство старых песен исчезло.

У каждого племени была своя культура, свой язык и своя музыка. Даже соседствующие племена оказывали друг на друга небольшое культурное влияние и обменивались чем-нибудь. Результатом этого была продолжительная культурная изоляция и минимальный процесс аккультурации. Также и в их музыке можно выявить общие черты и примеры, но под внимательным наблюдением, существует огромное многообразие коренной американской музыки.

Культуры индейцев Мексики и стран Латинской Америки попали вод влияние европейцев, особенно испанцев, намного раньше, чем их северные соседи. Эти группы в большей степени переняли культуру поведения, культурные традиции и язык своих захватчиков. В связи с тем, что культура индейцев Латинской Америки ассимилировалась в большей степени, о подлинной музыке этих культур известно меньше, чем о музыке более изолированных исконных культур США и Канады.

^ Стиль и контекст.

В культуре индейцев, в отличие от европейских культур, музыку считали неотъемлемой частью жизни. Эта музыка выполняла особую роль, и состояла главным образом из песен и танцев, которые исполнялись для хорошего самочувствия, успешной охоты, по случаю победы в войне, для вызова дождя или для связи с духовным миром. Музыка обычно ассоциировалась с ритуалами, но иногда песни и танцы исполнялись просто для развлечения. Они передавались в большей степени устными преданиями, чем письменными.

Музыка иногда сочинялась так тщательно, как ее писал бы композитор.

Большинство этих песен было больше для развлечения, чем для религиозных целей или ритуалов. Подобные песни часто заимствовались у других племен или даже у христиан. Другие песни рождались во снах и видениях, как-будто сами духи их посылали. Музыка не была предназначена для прослушивания только в виде концерта или записи, отдельно от ее предназначения. Следует заметить, что музыка не должна существовать отдельно от ее подлинного контекста и предназначения. Многие песни ценили за их силу, и некоторые люди признавали их своими, оберегали силу этих песен, позволяя исполнять их только по особым, в основном ритуальным, случаям.

Слова песни могли повествовать историю, выражать молитву или пожелание, или описывать чувства. Иногда слова не несли значения как таковые, они использовались только как голосовые звуки, известные как вокабулы. В некоторых песнях эти вокабулы на протяжении всего ритуала или танца передавали какое-то значение или настроение. Они иногда появлялись в узнаваемых, возможно довольно сложных структурах, по которым коренные слушатели узнавали отдельные песни или виды песен. В некоторых песнях сочетались бессмысленные слова и вокабулы, а некоторые вокабулы могли никогда не иметь никакого значения или их значения были непонятны или давно забыты.

Инструментальная музыка сама по себе исполнялась редко, и мелодичные музыкальные инструменты использовались нечасто. Самыми распространенными инструментами были барабаны различных форм и размеров, погремушки, иногда бубны или колокола и другие ударные инструменты. На барабанах играли одной барабанной палочкой. Уникальным по своей конструкции, но простым в пользовании был водный барабан, широко распространенный по всей Америке. Барабаны делали из глины, железа, дерева или алюминия. Основания барабана обтягивались оленьей кожей, замшеем или резиной. Барабанные партии обычно были очень простые и состояли из четырех ударов в такте. Барабаны никогда не игрались отдельно, как в африканской музыке. Самым распространенным духовым инструментом была вертикальная флейта, свисток или в некоторых культурах, свирель. Флейта редко звучала во время ритуалов, но часто аккомпанировала любовным песням.

Песни исполнялись в узком диапазоне, изредка использовалось больше одной октавы. Многие песни основывались на гаммах, сходных с европейской мажорной гаммой. Несмотря на то, что они часто ограничивались несколькими нотами, самой распространенной была пентатоническая (пяти-тональная) гамма. Песни состояли из коротких фраз с множеством повторений или иногда едва различимых вариаций. Пение было напряженным, приземленным, резким, иногда исполнялось высоким голосом, и включало мордент, плавные переходы от одного звука к другому, возгласы и крики животных. Гармонии не было, исполнялась только одна мелодическая линия под аккомпанемент ударных инструментов. Часто мелодии были довольно ритмичными, и барабаны поддерживали ритм. В сущности, все местные песни аккомпанировали танцам. Во время обрядов музыканты и танцоры одевали тщательно продуманные костюмы с перьями, красками, ветками или другими ручными предметами.

^ Ассимиляция и сохранение.

Бремя отчуждения от своей культуры и уподобление миру “белого человека”, повлияло на то, что коренная американская культура была в большом объеме разрушена или забыта. В последние годы, тем не менее, среди коренных американцев возросло понимание важности собственной культуры и необходимости ее сохранения.

Несмотря на то, что большое количество обрядов и ритуалов остаются не известными за пределами индейской общности, сохранить индейскую культуру сегодня можно с помощью открытых межплеменных обрядов и колдовских церемоний. Эти праздничные мероприятия проходят в заповедниках и городах с большой численностью коренного населения. Большую важность имеет сохранение их культуры в целом, чем отдельных племенных черт и манер поведения. Ритуальные и божественные песни в значительной степени пропали, но танцевальные и развлекательные песни процветают. Обряды проходят с песнями, танцами, цветными костюмами, местной пищей и ремеслом. В число музыкантов входят профессиональные музыканты, которые проводят церемонии заклинаний. Используется записывающее и звукоусиливающее оборудование.

Учитывая степень, в которой коренные американцы стали частью американского общества, их музыка не слилась с европейской музыкой и не повлияла на нее, возможно, по той причине, что она существенно отличается по стилю и функциям. Тем не менее, коренные американцы приняли популярную музыку Америки, но их собственная музыка остается обособленной. Коренные американцы слушают рок и кантри-музыку. Они основали свои группы и сделали записи как в рок стиле, так и в стиле кантри. Некоторые юго-западные радиостанции регулярно составляют программы для коренного населения Америки, включают племенную музыку, популярную западную музыку и религиозную музыку. Коренная американская музыка до сих пор существует, несмотря на то, что почти все старые песни, танцы и старые традиции давно исчезли. Кажется, что коренные американцы в самом деле сочетают в себе много культур, сохраняя свои собственные обычаи и заимствуя европейский/американский образ жизни.

^ Народная и классическая музыка Канады.

Канаду, как и большую часть американских народов, превратили из первобытной цивилизации в современную. Ее культура и музыка, в отличие от ее коренных жителей, основана на европейской модели, в основном французской и британской. В начале 1600 годов иммигранты из северной части Франции основали первые постоянные колонии. Это были фермеры и рабочие, которые, очевидно, любили петь и танцевать. В результате было идентифицировано более 9000 французских/канадских народных песен. Как и во всей народной музыке, это, в своем большинстве, были песни без аккомпанемента, которые могли исполняться без тщательного планирования, репетиций или особого оборудования. На любую одну мелодию было много текстов, а для одного любого текста разные мелодии. “Правильного” варианта не было.

Среди канадских общностей особый интерес представляли путешественники. Это были французы/канадцы, часто канадско-индейского происхождения, которые транспортировали товары и перевозили пассажиров для больших компаний, торгующих мехом. Они плавали на байдарках по рекам и озерам, путешествовали в самую глубь своей местности, охотились, ловили рыбу для еды и спали под байдарками. Они внесли значительный вклад в развитие традиций народных песен, воспевая свои путешествия и свои романтические представления о потусторонней жизни.

Британское влияние также было значительным. Иммигранты из Англии, Шотландии и Ирландии привезли свои баллады, народные песни, рилы и жиги. В девятнадцатом веке очень часто сочинялись или новые народные песни или на старые мотивы подставлялись “канадские” слова. С середины 19 века народные песни начали собирать и публиковать. В Канаде были известны детские баллады, о которых идет речь в 3 главе. Канадской популярной музыкой были сначала народные баллады и песни, потом домашние песни, и затем аккультурированная современная популярная музыка, такая как в США и многих других частях мира.

Классическая музыка Канады основана на традициях арт-музыки Западной Европы. Это органная и хоровая музыка для церковных служений, камерная музыка и концертная музыка для групп, оркестров и хора. С 1945 года повысился уровень созидания, исполнения, преподавания и понимания того, что в музыке сознательно отражаются национальные аспекты канадской жизни: ее люди, культура, переживания и история. Канадцы также сочиняли джаз, экспериментальную, авангардную и электронную музыку. Среди самых успешных композиторов можно выделить Хили Виллан, Джона Вейнцвейга, Джона Беквиза, Р. Мюррей Шафер, и Барбару Пентланд.

^ Музыка Южной Америки и Карибского региона.

Факторы и характерные особенности музыки Южной Америки и Карибского региона, следующие:

1.Народная музыка Метисов.

2.Популярный и народный музыкальные стили испанского и иногда африканского происхождения.

3.Музыкальные инструменты, которые используются в популярной и народной музыке.

4.Влияние церкви и миссионеров.

5.Основание музыкальных школ и консерваторий.

6.Европейские модели арт-музыки.

7.Развитие национальных традиций в арт-музыке.

Метисы.

Корни народной и популярной (национальной) музыки Латинской Америки лежат в традициях метисов, местных жителей, в чьих жилах течет смесь индейских и испанских кровей (в Бразилии метисы были индейских и португальских кровей). Музыка метисов существует почти по всей Южной Америке. Это музыка широко распространена среди коренного населения Латинской Америки. Эта музыка рождалась из сочетания испанских мотивов и текстов с местными танцами. Другая народная музыка появилась у людей африканских/испанских корней. Афро-музыку, в большей степени основанную на танцах, можно услышать на Карибских островах, таких как Куба, Пуэрто-Рико, Тринидад и некоторых частях Южной Америки.

У некоторых индейцев Южной Америки, например у перуанских инков, был высокий уровень общественной и политической организации и, очевидно, большие музыкальные традиции. Тем не менее, подлинной индейской музыки сегодня мало. Совсем немного индейских племен не попало под влияние европейских традиций.

Испанские и африканские метисы или(1) разучивали песни белых людей и исполняли их на свой манер.(2)учились манере исполнения песен белых людей и приспосабливали свои песни этой манере.(3)учили песни белых людей и сочетали их с местными традициями исполнения. Какие бы ни были сочетания, очень часто оригинальная версия песни или ее первоисточник были неизвестны, так как последующие версии изменялись - это характерно для народной музыки, которая передавалась устными преданиями.

^ Мировая музыка.

Главным героем может быть национальный герой, который ищет приключения в любви и на войне. Песни, которые отражают социальные и политические условия людей должны соответствовать идеологическим целям.

В то время как форма построения песни aaba характерна для Западной Европы, форма abba больше характерна для Восточной Европы. Партия b часто звучит так же, как и a, но играется скорее в другой тональности, чем создает контрастную мелодию или тональность.

Инструментальная музыка служит в основном как аккомпанемент к песням или танцам. Основными народными инструментами были волынка, двойной рекордер (вид деревянной флейты) и цимбалы. В число более современных инструментов входят аккордеон, скрипка и несколько видов флейт. Многие композиторы концертной арт-музыки изучали народные песни и танцы своего региона и совмещали их тем или иным образом со своей музыкой. Два самых значительных восточно-европейских композитора, Барток и Кодоли из Венгрии, внесли большой вклад в развитие венгерской и румынской музыки, благодаря своим опубликованным народным коллекциям. Мы также знакомы в некоторой степени с природой народного репертуара, благодаря государственной поддержке народных оркестров и хоров, которые посещали со своими концертами США, и записи которых можно найти в этой стране.

^ Музыка иммигрантов.

На протяжении 19 и начала 20 веков более 35 миллионов европейцев эмигрировали в США. Сначала они приезжали из Англии, потом Ирландии, Германии, из скандинавских стран, потом из Италии, Польши, балканских стран и других стран Восточной Европы.

Сегодня такие поездки продолжаются от нескольких часов до не более чем одного дня. В то время подобные путешествия могли длиться до трех месяцев, и то с большими трудностями.

Эти иммигранты оставляли свои семьи и своих друзей; они не собирались возвращаться. Решения об их долгосрочном и окончательном отъезде принимала каждая отдельная семья. Это было неорганизованное массовое переселение без особой цели. Эти смелые люди не искали приключений. Это были отчаянные крестьяне, мастера и ремесленники, которые потеряли свою работу в результате перехода от аграрной экономики к индустриальной.

Мечтая оказаться на просторной земле, полной возможностей, большинство этих людей не смогли обустроиться в городах, в которые они приехали. Таким образом, европейские сельские жители стали американскими горожанами. Они оказались изолированы в незнакомом обществе. Они заботились о культурных традициях своей родины и выражали свою ностальгию через народные сказки, песни и танцы. Часто они сохраняли свой родной язык, свою кухню и традиции.

К концу 19 века развилась звукозаписывающая индустрия, и ее представители хорошо осознали возможность получения прибыли от продаж иммигрантам звукозаписей на иностранных языках. К 1890 году записи народной музыки были доступны на иврите, на польском, чешском, испанском и многих других языках. Эти записи напоминали о родине. Они придавали особое значение необходимости сохранения старых языков и традиций на новой земле.

Cначала музыку исполняли профессиональные артисты, которые записывались в Европе, используя сложные аранжировки, но в этой музыке не было сельской и деревенской самобытности. Эта была не та настоящая народная музыка, которую люди хотели слушать. Крестьяне привезли с собой любовь к более грубой музыке, в которой они воспевали горы и поля, что было неприемлемо для современных городов.

Эти иммигранты акультурировались в новом обществе. Им понравились новые исполнители и инструментальные группы. Они узнали новые песни. Затем записывающие компании нашли способ, как обеспечить людей более приемлемой музыкой; это была музыка черных и белых людей с далекого юга, которые мигрировали на север. Это был блюз, джаз и музыка белых крестьян, которая стала известна как музыка кантри. В создании этой музыки участвовали скрипачи, исполнители с грубым вокалом, деревенские оркестры и все что по-настоящему характерно народному стилю. Импортирование урбанизированной народной музыки из стран Восточной Европы и других стран остановилось, так как у иммигрантов появились новые предпочтения, новые предметы веры и новые традиции.

^ Музыка евреев.

Сотни лет у еврейского народа не было родины, и евреи жили по всему миру, пока в 1948 году не появилось государство Израиль. Евреи поселились в более чем 100 странах, от нескольких сотен человек, живущих на Филиппинах, до миллионов людей, которые считают своей родиной США.

Где бы евреи не были, они впитывали культуры страны, в которой находились, но сохраняли свои религиозные традиции и обычаи. Они сохранили религиозную индивидуальность и придерживались многих старых стилей и разновидностей еврейской религиозной музыки. Современная еврейская музыка появилась в результате того, что евреи приспосабливались, шли на компромисс и ассимилировались с другими культурами, но в то же время сохраняли свои этнические ценности и традиции. Баланс этнического сохранения и аккультурации привел к тому, что еврейские традиции значительно переплелись с традициями других культур.

Какой бы была музыка США, без участия евреев, которые эмигрировали в Америку в течение последних 100 лет? К примеру, все из следующих композиторов внесли значительный вклад в американскую музыку на протяжении этого века: Ирвин Берлин, Джордж Гершвин, Аарон Коплэнд и Леонард Бернштайн. Их музыка была еврейской, потому что они были евреями, но их музыка была также американской. Никто не может отрицать того, что они с успехом захватили американский дух, и помогли создать форму той музыки, которая считается типично американской.

Множество евреев, которые вернулись в Израиль из различных культур по всему миру, привезли с собой музыку и искусство своей родной земли и создали культурное и музыкальное богатство Израиля. Они приехали из еврейских коммун (гетто) Европы, России, Ближнего Востока, Индии, и привезли с собой свою уникальную музыку.

Еврейская музыка включает литургическую музыку, религиозные поэмы, светские песни, музыку исламских традиций и новую еврейскую музыку современного Израиля.

Литургическая музыка придает значение молитвам и религиозным обрядам и передается устными преданиями. Эта музыка мелизматическая, это значит, что на один слог текста исполняется несколько нот мелодии. В результате мелизмы, мелодия исполняется быстро, а текст медленно. Песни называются кантиленами и исполняются кантором. Их могут петь без аккомпанемента, а также с органным и инструментальным сопровождением.

Для нелитургической религиозной музыки характерна религиозная поэзия, положенная на музыку, заимствованная из светских народных обычаев, в особенности из Европы и Ближнего Востока. В еврейских религиозных поэмах значительно больше разнообразия, чем в литургическом репертуаре.

Светские песни евреев, которые обычно звучат с аккомпанементом, отражают жизнь и время, проведенное на земле, на которой они родились.

Возможно, эти песни заимствованы из не еврейских традиций, или это могут быть те песни, которые они привезли с собой из родных гетто.

Основные инструменты в еврейской музыке отражают аккультурацию стилей. Тамбурины, блок флейты или hatils пришли из Ближнего Востока, гитары и аккордеоны из Европы. Единственный древний инструмент, который сохранился, хотя бы для ритуалов, это shofar или бараний рог.

Песни построены на тональности Ближнего Востока, но на них наложена европейская и русская гармонии. Западные тенденции гармоничности в светской музыке переплелись с религиозной музыкой.

Что позволяет музыке звучать по-еврейски? Кто-то может спросить, что делает джаз джазом, или что придает особое звучание музыке кантри, и чем отличается bluegrass от блюза? Что представляет собой еврейская музыка, которую разделяют евреи разного происхождения: из Йемена (Йеменские евреи), Германии (Ashkenazi Jews), Индии (Кохинские евреи), чернокожие евреи из Америки, православные, консервативные, реформистские евреи во всем мире? Какую музыку еврей считает еврейской?

Может быть это связано с музыкальными инструментами, происхождением композитора или с условиями, в которых сочинялась и исполнялась музыка. Это может быть связано с текстом, языком, или смыслом песен. Наиболее вероятно, что в основе этого необъяснимое сочетание факторов, которое влияло на души людей так, как не могло бы повлиять на кого-нибудь другого в такой же степени.

^ Музыка Индии.

Индия напоминает о реке Ганг, о снежных Гималаях, Тадж-Махале; Бомбее, Кашмире и Калькутте; йоге, гуру и санскрите. Самыми распространенными религиями являются индуизм и ислам. Это страна с большой плотностью населения, чрезмерным богатством и неимоверной нищетой. Это страна с разнообразной географией, различными народами, религиями и видами музыки. Махатма Ганди и Равви Шанкар - значимые имена, известные американцам, а sitar и raga- знакомые слова, которые имеют отношение к их музыке.

Индия не просто далекая, экзотическая страна. Американцы импортировали из Индии текстильные изделия, ткани, вазы, столы и лампы. Особенно с 1960 годов на нас оказывает влияние религия и философия Индии. Многим принесла пользу йога, трансцендентальная медитация и возможно даже массаж Хари Кришны. Мы получили представление о музыке Индии благодаря визитам достигших успеха артистов, таких как Равви Шанкар и благодаря все большему числу американцев, которые изучали индийскую музыку и вернулись, чтобы учить других.

Музыка Индии состоит из племенной музыки, танцевальной музыки и музыки для фильмов, религиозной и ритуальной музыки, а также из классических и народных музыкальных традиций. Как и в большинстве культур, в Индии есть музыка для работы, праздничная музыка и религиозные песни для обрядов и молитв.

Репертуар народной, популярной и обрядовой музыки также разнообразен, как народы Индии. Народная и классическая музыка, как и вся социальная структура Индии, каким-то образом связана или основана на философии Хинду, Ислама или другой религии.

Самая известная музыка Индии, музыка, которую изучали, записывали и о которой писали наиболее часто - это классическая музыка. Арт - музыка Индии основана на древних традициях, ассоциируется с великими художниками, в ее основе многолетняя музыкальная теория, и о ней веками писали индийские ученые. По этим причинам, изучая музыку Индии, мы сосредоточим внимание на великих традициях ее классической музыки.

^ Традиции классической музыки.

Классическую музыку Индии изучали и передавали из поколения в поколение на протяжении многих веков. Это музыка покровителей, высшего класса. Она звучала для этой элиты, и играли ее представители этой элиты. До объявления независимости Индии от Британского Содружества в 1948 году, центр музыкального исполнения и изучения находился в королевских дворах. С того времени, большие и маленькие города демократической Индии стали музыкальными центрами.

С 13 века музыкальные стили выделяли на основе северной, известной как Индийской, музыки, и южной музыки Карнатаку. Можно выделить различные стилевые особенности, инструментальные предпочтения, а также найти очень много схожих характеристик. Нашей целью, по существу, будет рассмотрение особенностей, характерных для всей Индии.

Индийскую классическую музыку выделяет ее эстетическая основа (rasa). Это не просто музыка, это способность музыки передавать мысли, чувства, настроения и образы. Индийцы ценят связь их музыки с природой, с религиозными и философскими верованиями и с временными элементами- этапами жизни, порами года, суточными промежутками времени.

Музыка больше напоминает камерную, чем оркестровую музыку. Тогда как западный слушатель привык сидеть тихо, вникая в звуки симфонического оркестра или инструментального квартета, индийские слушатели в концертном зале будут вести себя скорее как дома, и будут слушать довольно оживленно, и примерно 3-5 музыкантов, сидящих на полу, будут отчетливо их слышать.

Индийский ансамбль, скорее всего, будет состоять из соло инструменталиста, который будет перебирать струны на таком инструменте как ситар. Часто, второй струнный инструмент аккомпанирует, также участвует “ хранитель звука” барабанщик, и иногда соло - певец.

^ Музыкальные элементы.

Классическая музыка Индии это, по сути, высокоразвитая мелодичная музыка. Это в первую очередь, импровизированная музыка. Ранее сочиненные песни учат по памяти: нотное письмо существует, но оно не играет важной роли, и ему не придерживаются как в Западной Европе. Основная классическая партия основана на системе построения музыки с помощью определенной мелодической структуры известной как raga, и ритмического построения, известного как tala. Уровень артистического достижения определяется способностью музыканта развивать мелодическую структуру или raga до ее полного предела и узнавать все ритмические лабиринты tala. Студент с музыкальным даром становится учеником гуру (старшим учителем) и учит ragas и ранее сочиненные отрезки музыки с помощью имитации и практических занятий. Ученик должен не только владеть большим репертуаром ragas и talas, но также должен научиться манерам исполнения (морденту), а также умению чувствовать музыку и думать о ней.

В raga представлены основные способы, посредством которых определяются мелодичные и уровневые аспекты индийской классической музыки. Западная музыка построена на гаммах (система высотного построения) обычно на мажорный или минорный лад. Raga – это последовательность восходящих и нисходящих уровней, похожих на гамму, но в ней передается намного больше. Ее можно считать скорее мелодичной формой, чем абстрактной уровневой структурой. В raga могут быть выражены определенные отрезки мелодии, высотные диапазоны - высокие, средние или низкие, а также мордент, который делает отдельную raga сразу узнаваемой. Он передает исполнителям и публике настроение и эстетические особенности raga.

Исполнитель пользуется высотами, очередностью высот, мелодическими моделями, тональностью, обозначением и смыслом raga, для того, чтобы развить импровизацию. Самые лучшие музыканты могут импровизировать исполнения raga основанные на усвоенном наборе правил, которые определяют выбор ритмико-мелодических элементов, общей структуры и стиля музыки. Импровизированные отрезки чередуются с менее свободными импровизациями, в основе которых может лежать ранее написанная мелодия или песня.

В tala заключены основные средства построения аспектов индийской классической музыки, связанных со временем и длительностью, это ритм и размер. Она диктует исполнителю полную структуру или такт, а также периодическое подразделение в такте. Например, tala может иметь шестнадцать долей и иметь внутреннее подразделение 4+4+4+4,

или четырнадцать долей с подразделением 5+2+3+4. Два и более цикла tala могут составлять фразу. Барабанщик учится импровизировать, используя серию барабанных тактов и ритмические построения, которые подразделяют ведущий ритм tala. Барабанщик учится импровизировать партии, которые не сочетаются с tala и создают напряжение, потом во